Die Comic-Reihe Conquest handelt von fünf großen Fraktionen, die die Erde mit dem Ziel verlassen haben, eine neue bewohnbare Welt zu finden und diese zu kolonisieren. Im Band Islandia folgen wir der ersten Fraktion, die sich aus Nachfahren der Germanen und Wikinger zusammensetzt. Die Geschichte startet mit der Ankunft der Raumschiffe am vorhergesehenen Ziel, dem Planeten Islandia. Nach 30 Jahren im Kälteschlaf wird Oberleutnant Kirsten König als erste mit einem Team losgeschickt, um den Kontakt zu den Bewohnern des Planeten herzustellen. Da die Islandianer, wie die Menschen sie nennen, ein friedfertiges Volk sind, verläuft das erste Treffen auch sehr gut. Jedoch leidet die Protagonistin, seitdem an sehr realen Halluzinationen. In denen erschient ihr meist ein Bewohner von Islandia.

Daraufhin überschlagen sich die Ereignisse. Admiral Hakarsson lässt die Zivilisten zu früh aus dem Kälteschlaf holen, um die Besiedlung des Planeten so schnell wie möglich voranzubringen. Da er die Islandianer eh nur als unterentwickelter Störfaktor auf seinem neuen Planeten sieht, fällt es ihm besonders leicht in ihnen die Ursache für mehrere unerklärliche Unfälle zu sehen. Zum einen Verbrennen alle Bewohner der ersten Kolonie auf Islandia, zum anderen explodieren die Triebwerke eines Kolonieschiffes.

Als König losgeschickt wird, Rache an den Islandianern zu üben und deren Städte zu bombardieren kommen ihr natürlich Zweifel an der gesamten Mission und sie versucht eigenständig den Unfällen auf den Grund zu gehen.

Hard Science Fiction oder doch Fantasy?

Conquest lässt sich nicht so einfach in eine Genre-Schublade packen. Was zunächst wie ein typischer Hard-Science-Fiction-Comic daherkommt, entwickelt sich nach und nach zu einer Science-Fantasy-Story. Am ehesten lässt sich die Geschichte mit dem Film Avatar vergleichen. Wie im Film werden die Menschen als die bösen Invasoren dargestellt, die ohne Skrupel den gesamten Planeten für sich beanspruchen wollen, und dafür auch gewillt sind die Bewohner der neuen Welt auszulöschen.

Im Gegensatz dazu wirken die Charaktere doch sehr klischeehaft. Die Soldaten der Raumschiffe sind allesamt muskelbepackte Supersoldaten, wohingegen die Frauen mit ihrem sexy Körper immer nur in hautengen Kleidern und Stiefel durch die Raumschiffe laufen. Nicht selten werden Szenen von Untersuchungen oder beim Aufstehen dazu genutzt, die Protagonisten in knapper Unterwäsche zu zeigen. Dies wirkt aber nicht plump, sondern passt zur erwachsenen Geschichte und dem Setting.

All das wird durch den Zeichenstil von Živorad Radivojevic perfekt unterstützt und in Szene gesetzt. Durch den amerikanischen Look passen die überzeichneten Charaktere mit ihren Muskelbergen oder langen Haaren und engen Röcken perfekt ins Bild, ohne störend zu wirken. Dem Breitschultrigen Befehlshaber nimmt man seine skrupellose Rolle sofort ab.

Etwas gegensätzlich zeigt sich die Protagonistin König, die zwar auch ihren perfekten Körper und ihre langen Haare oft zeigt, aber als taffe Frau mit Gewissen dargestellt wird. Ein schöner Gegensatz zum Rest der Crew.

Fazit

Der Einstieg in die Conquest-Reihe zeigt mal wieder, warum der Splitter-Verlag den Untertitel Comics für Erwachsene trägt. Die Story mit ihren zwar klischeehaften aber gut geschriebenen Charakteren, sowie die expliziten Bilder erzeugen eine spannende und düstere Stimmung. Alles wirkt wie tolles, actiongeladenes Popcorn-Kino, nur eben in Comic-Form. Würde der Comic verfilmt werden, würde ich ihn mir sofort im Kino auf großer Leinwand und fettem Sound anschauen.
Ich bin sehr gespannt auf die folgenden vier Bände, die von den anderen Expeditionen handeln. Ob sich die Geschichte wiederholt oder ein ganz anderes Bild gezeichnet wird bleibt abzuwarten. Lesen werde ich sie aber auf jeden Fall.

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Story

Die Geschichte spielt, wie bereits erwähnt, im spätviktorianischen London. Zu dieser Zeit steckt die Medizin und die Erforschung des menschlichen Körpers noch in den Kinderschuhen. Da die Ärzte nur an Leichen von hingerichteten Verbrechern forschen dürfen, hat sich für Kriminelle ein lukratives Geschäftsmodell eröffnet. Die Bodysnatchers verdienen ihr Geld durch nächtlichen Leichendiebstahl auf Friedhöfen. Die Körper werden anschließend gewinnbringend verkauft.
Klar, dass dies nicht geduldet wird. Und so macht sich Hauptprotagonist, Frauenheld und Mitglied der geheimen Loge Custodes lucis, Malcolm Max, daran die Diebe zu schnappen.

Begleitet wird er bei seinen Untersuchungen von der Halbvampirin Charisma Myskina, die ebenso hübsch, wie stark ist. Einziges Manko sind die wenig ausgeprägten Umgangsformen der vornehmen Londoner Gesellschaft.

Gemeinsam müssen die Zwei mit ansehen, wie eine junge Reporterin, die ebenfalls auf der Spur der Bodysnatchers ist, auf dem Friedhof ermordet wird. Unklar ist aber, wer der Mörder ist und weshalb die Nachfrage an Leichen ins Unermessliche steigt.

So entsteht eine spannende Krimigeschichte vermischt mit Steampunk und Horror.

Der Comic und sein Ursprung

Erst im Nachhinein, habe ich erfahren, dass die Geschichte um Malcolm Max, ihren Ursprung in Hörspielen hatte. Autor Peter Mennigen schrieb die Abenteuer zunächst 2008 für Hörspielbeilagen von Gespenster Geschichten. Diese erschienen im Tigerpress Verlag und ab 2011 für die Geisterschocker Serie. So kamen über die Jahre mehrere Hörspiele und auch Hörbücher heraus.

2013 schloss sich dann Peter Mennigen mit Zeichner Ingo Römling zusammen, der unter anderem für Album-Cover diverser Metalbands und der Star Wars Rebels – Comicserie bekannt war. Sein Stil passt meiner Meinung nach perfekt zur etwas abgedrehten Gruselgeschichte und den skurrilen Charakteren. Die Gesichtsausdrücke spiegeln zu jeder Zeit perfekt die Gefühlslage der Protagonisten wider und suchen in der Comic-Szene ihres Gleichen.
Darüber hinaus schafft es der deutsche Zeichner, das viktorianische London durch geschickte Perspektiven und atmosphärische Szene zum Leben zu erwecken.

Dies wird unterstützt durch sehr geschwollene und blumige Erzählertexte, die den Leser sofort in die passende Zeit versetzen:

Es ist eine dieser typischen Nächte für die Metropole: düster dunstig und nicht sehr amüsant. Regen tropft mit trostlosem Gleichmaß aus schwarzen Wolkenschatten. Feuchtkalte Nebelschwaden sättigen die Luft…
– Malcolm Max Bd. 1

Fazit

Schon der erste Band zu Malcolm Max hat mich echt begeistert. Das sehr unterschiedliche Ermittler-Duo bringt so viel Witz in die Geschichte, was einen guten Kontrast zur düsteren und gruseligen Handlung bietet. Der etwas schusselige und tollpatschige Held und seine starke Helferin bilden einfach ein tolles Gespann. Genauso wie die Zeichnungen von Ingo Römling, die zwar oft sehr bedrückende Szenen darstellen, diese aber trotzdem immer sehr bunt wirken. So entsteht eine gruselige und spannende Horrorgeschichte, der es dennoch nicht an Charme und Witz mangelt. Ein echtes Comic-Highlight aus Deutschland.

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Black Hammer Band 2

Die Vergangenheit

Der 2. Black Hammer Band knüpft direkt an die Geschehnisse von Band 1 an. Ich möchte an dieser Stelle natürlich nicht das Ende des ersten Teils verraten. Deshalb gehe ich hier nicht allzu sehr ins Detail. Was man aber sagen kann ist, dass man einen tiefen Einblick in die Helden bekommt.
Der erste Abschnitt des Comics erzählt die Origin-Story des namensgebenden Black Hammer. Ein stets hilfsbereiter Mann, der zufällig am richtigen Ort auftaucht und den Hammer des sterbenden Black Hammer aufnimmt, wird zum neuen Helden auserkoren. Schon dieser erste Rückblick zeigt, dass Lemire ein Faible für die ruhmreichen und aus heutiger Sicht, trashigen Superheldengeschichten der 80er und 90er hat. Nicht selten musste ich schmunzeln, wenn sich Black Hammer und die anderen Helden mit Bösewichten, wie dem Demolition Squad oder Mud Master herumprügeln. Diese Hommage an die glorreichen Superhelden-Comics zeigt sich auch beim Superschurken Anti-Gott, den Black Hammer, Abraham Slam und die anderen aus Teil 1 bekannten Helden bekämpfen müssen. Der Kampf, der letztendlich dazu geführt hat, dass die Helden auf einer einsamen Farm, in der Nähe einer Kleinstadt gefangen sind, wird endlich näher beleuchtet. Warum dies aber alles geschehen ist, wird natürlich noch nicht verraten.

Die Gegenwart

Im krassen Gegensatz zu den Rückblenden, stehen die Erzählungen aus der Gegenwart. Hier zeigt Lemire, was mit Superhelden geschieht, wenn sie ihren Helden-Job nicht mehr ausführen können. Auf der Farm, auf der keine Superkräfte eingesetzt werden können, sind die Protagonisten ganz normale Menschen und müssen sich als eben solche mit ganz normalen Problemen herumschlagen. Und genau das macht Black Hammer so besonders. Noch nie hat man sich darüber Gedanken gemacht, was mit den Helden in schwierigen Zeiten passiert. Aber genau das macht Lemire. Er spricht auf ganz besondere Art viele aktuelle Themen an. So verliebt sich beispielsweise Barbalien getarnt als Mensch in den Priester des Dorfes, der seine Zuneigung aber natürlich in der Kleinstadt nicht öffentlich erwidern kann. Golden Gail ertrinkt ihre Frustration in Alkohol und verfällt in Depressionen, da sie nicht mehr zu ihrer großen Liebe zurückkehren kann. So entsteht eine sehr beklemmende Stimmung beim Leser, der sich ständig fragt, wie die Geschichte wohl aufgelöst wird und was mit Black Hammer passiert ist, der ja in Band 1 nicht auf der Farm anzutreffen war. Es werden zwar nicht alle Fragen geklärt, aber zumindest wird gezeigt, was mit Black Hammer passiert ist.

Fazit

Wow, Jeff Lemire ist es tatsächlich gelungen den ersten Band noch zu toppen. Der Kontrast zwischen strahlender Vergangenheit und trübsinniger Gegenwart ist im zweiten Band noch stärker zu spüren.

Der ständige Wechsel zwischen trashiger 80er, 90er Superhelden-Comic-Story und verzweifeltem, depressivem Kleinstadt-Drama macht Black Hammer zu etwas ganz Besonderem.

Außerdem freut man sich als Leser besonders, noch mehr über die Vergangenheit der Helden zu erfahren. Dadurch werden ihre Handlungen nachvollziehbar und man beginnt immer mehr mit den Protagonisten mitzufühlen und mitzuleiden. Black Hammer ist somit sicherlich kein Gute-Laune-Comic, zeigt dadurch aber, dass Superheldengeschichten nicht immer nur eintönige Strahlemänner zeigen müssen. Ich kann nur sagen: Gerne mehr davon und bitte bringt schnell Band 3!

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Story

Die Geschichte um die Schicksalstafel liest sich wie ein neuer Indiana Jones Teil, nur eben mit Lady Mechanika in der Hauptrolle. Eine böse Organisation, die sehr an die Nazis aus den Indi-Filmen erinnert, sucht nach der Schicksalstafel, die das Geheimnis einer zerstörerischen Waffe in sich birgt. Um diese zu finden, machen sie nicht mal vor Kindesentführung halt, denn die kleine Winifred, die Nichte eines Forschers und guten Freundes von Lady Mechanika, wird entführt, um den Onkel zu erpressen. Dieser befindet sich gerade in Afrika und sucht selbst nach der sagenumwobenen Tafel. Als er erfährt, dass seine Nichte in Gefahr ist, tut er natürlich alles, was von ihm verlangt wird.
Für Lady Mechanika ist natürlich klar, dass sie das kleine Mädchen befreien und dem Professor zu Hilfe eilen muss. So entsteht eine spannende Jagd durch Afrika, mit allem, was einen guten Indiana Jones Film ausmacht. Inklusive Verrätern, Verfolgungsjagden und Übernatürlichem.

Die Zeichnungen

Ich merke, dass ich beginne mich zu wiederholen, aber ich muss es nochmal sagen: Die Zeichnungen, die uns Joe Benitez und Peter Steigerwald präsentieren, strotzen mal wieder vor Detailreichtum. Ich musste wirklich jedes Panel nach dem Lesen nochmals genau anschauen, um alle Feinheiten zu entdecken.

Noch nie habe ich eine so detailverliebte Darstellung des Steampunk-Settings gesehen, wie in Lady Mechanika.

Hinzu kommen, die übergroßen Zeichnungen der Protagonstin, die die starke und trotzdem weibliche Heldin in Szene setzen. Hier fällt sofort auf, dass sich die Autoren viele Gedanken über die Kleidung und Stil der Heldin gemacht haben. Sie tritt jederzeit in eleganter, sexy und dennoch, in für ihre Situation, zweckmäßiger Kleidung auf.

Diese sind natürlich „sehr schön“ anzuschauen, verbinden aber zusätzlich die einzelnen Panels auf einer Seite sehr geschickt miteinander.

Fazit

Joe Benitez schafft, woran manch andere Autoren scheitern. Die einzelnen Bände der Serie bleiben spannend! Durch die sehr abwechslungsreichen Locations, in denen Lady Mechanika unterwegs ist, lassen sich die Geschichten in verschiedene Genres eingliedern. Trotz dem übergeordneten Steampunk-Setting ist Band 3 nun eher ein Action-Abenteuer mit Indi-Flair geworden, wohingegen der erste Band ein Horror-Krimi war.

So erlebt man mit Lady Mechanika eine Reise durch alle möglichen Genres der Comic- und Filmgeschichte, deren Eigenschaften Joe Benitez jederzeit gekonnt mit dem Steampunk-Setting verknüpft.

Da der 4. Band nun schon erschienen ist, werde ich mich nach diesem Highlight natürlich direkt in den Comic-Shop meines Vertrauens begeben und die Geschichte um Lady Mechanika weiterverfolgen.

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Die kleine Qinaya wird nach einem Erdbeben in Peru von Alain und Lysnette adoptiert, nachdem ihr Kinderwunsch auf natürlichem Weg bisher unerfüllt blieb. „Opa“ Gabriel, Alains Vater, ist anfangs nicht sehr begeistert und kann im ersten Moment nicht wirklich etwas mit der Vierjährigen anfangen. Er selbst ist mittlerweile Rentner, nachdem er 50 Jahre lang als Metzger in seinem eigenen Laden stand und Alain nicht wie geplant seine Metzgerei übernommen hat.

Mit dem Kind konfrontiert, muss er sich erst einmal in der Rolle als „Opa“ zurechtfinden – und das tut er auch. Er schließt Qinaya ins Herz und versucht die Zeit, die er mit seinen eigenen Kindern verpasst hat, nachzuholen. Das dicke Ende der Geschichte: Die Polizei steht vor der Tür und nimmt Qinaya völlig überraschend mit, da sie scheinbar gar keine Waise ist und ihre Verwandten in Peru sie sehnlichst erwarten. Hat sein Sohn Alain bei der Adoption wissentlich gepfuscht, um sich seinen eigenen Kinderwunsch zu erfüllen?

ACHTUNG: Hier wird ein bisschen gespoiltert. Aber das Wesentliche müsst ihr selbst nachlesen.

Opa Gabriel auf der Suche

Die Ereignisse in Band 2 setzen eineinhalb Jahre später ein. Gabriel begibt sich auf die Suche nach seiner „Enkelin“ und reist kurzerhand alleine nach Lima, ein für ihn unbekanntes Terrain. Ein Privatdetektiv hat Qinaya ausfindig gemacht und den Kontakt vermittelt, so wird Gabriel von ihrem „echten“ Opa in Empfang genommen, gemeinsam warten sie ungeduldig auf das kleine Mädchen. Als Qinaya endlich um die Ecke kommt, ist das Gefühl aber nicht dasselbe – sie scheint ihn nach der langen Zeit nicht mehr zu erkennen. Gabriel hat ihr ein Geschenk mitgebracht: das Fahrrad, mit dem sie in Frankreich jede Menge Spaß hatten – das hat sie wohl in Erinnerung behalten. Er baut ihr das Fahrrad zusammen und verbringt etwas Zeit mit ihr.

Als er sich schweren Herzens auf den Rückweg ins Hotel machen möchte, revanchiert sich Qinaya vorher mit einem von ihr gemalten Bild. Gabriel ist gerührt und traurig zugleich. Er versteht, dass sie wieder bei ihrer rechtmäßigen Familie ist und er ausgedient hat. Er nimmt Abschied von seiner „Wolke“ (Qinaya).

„La Garúa“ nennt sich übrigens der Nebel, der zwischen September und Mai den Blick in Lima trübt. Ein Zeichen?

Rückweg mit Hindernissen

Gabriel versucht seinen Rückflug einige Tage früher als geplant umzubuchen, allerdings ohne Erfolg. Das Schicksal weiß Rat: Ein weiterer Fluggast vernimmt sein Anliegen und bietet an, dass er seinen Flug, der in nur einem Tag stattfindet, kurzerhand mit ihm tauscht. Die beiden haben etwas gemeinsam: sie sind auf der Suche. Marc hofft in Lima seine Tochter zu finden, die beim Erdbeben ums Leben kam. Sie wurde unter den über 37.000 Toten noch nicht identifiziert. So möchte er seinen Flug verlegen, um den Moment abzuwarten, um sie mitzunehmen und in ihrem Heimatland Belgien zu beerdigen.

Da noch drei Tage Zeit bis zum Rückflug verbleiben, beschließen beide – oder eher Marc – Lima zu besichtigen und zum Machu Picchu zu pilgern. Wenig begeistert gibt sich Gabriel seinem Schicksal hin. Er freundet sich mit ihm an, sie verbringen gemeinsam Zeit und tauschen Geschichten über die Familie aus. Gabriel erfährt, dass Marcos Frau mit 38 Jahren einen Schlaganfall erlitt und starb. Er hingegen verschweigt zunächst die Existenz seines Sohnes und erzählt lediglich über seine Tochter und seine Frau.

Auswirkungen der Adoption

Im Laufe der Geschichte stellt sich heraus, dass die Familie unter den Umständen der Adoption gelitten hat. Alain wurde wegen Entführung zu drei Jahren verknackt und sitzt im Gefängnis. Seine Frau blieb verschont, da er die gesamte Schuld bezüglich der vorenthaltenen Informationen bei der Adoption auf sich nahm. Er hat schwer zu kämpfen: Seine Frau hat die Scheidung eingereicht und sein eigener Vater hat ihn seit der Inhaftierung nicht besucht. Auch bei seiner Mutter Rysette geht die Adoption samt Folgen nicht spurlos vorbei – sie ist depressiv und versucht sich mit Medikamenten zu helfen.

Die Besinnung

Nachdem Gabriel ein wenig Zeit mit Marco verbrachte und er in alten Zeit mit Qinaya schwelgt, gesteht er ihm, dass er doch einen Sohn hat. Er erzählt ihm von der gefakten Adoption, dem Gefängnis und Qinaya, die er sehr vermisst. Im Gedanken- und Gesprächsfluss erinnert er sich an die Zeit, in der seine eigenen Kinder noch jung waren und er den beiden in seiner Metzgerei liebevoll ein Sandwich zubereitete, besonders Alain mochte sie gerne.
Gabriel besinnt sich auf seine eigene Familie, die ihn zu brauchen scheint. Kurzerhand fliegt er nach Hause.

Wie war’s?

Ich kann verstehen, dass einige Rezensionen das kritisieren, was ich so toll finde – es gibt kein „richtiges“ Happy End mit Qinaya, die wir in Band 1 lieb gewonnen haben. Die Geschichte beginnt und lässt hoffen: das kleine Mädchen kehrt in die Geschichte zurück. Nun so ist das aber nicht. Band 2 dreht sich voll und ganz um den griesgrämigen Opa Gabriel, der den Verlust des Titels „Opa“ zu verkraften hat, den er gerade erst stolz angenommen hat. Die Reise nach Lima wird für Gabriel zu einer Reise zu sich selbst, zu Einsicht, Toleranz und Verzeihung. Und Marcs Schicksal tut sein Übriges.

Eigentlich gibt es aus meiner Sicht zwei Happy Ends: Qinaya ist bei ihrer eigenen Familie, die das Erdbeben überlebte. Das zweite Happy End erfahren wir als Leser, wenn Gabriel sich besinnt und zurück zu seiner Familie reist. Er versöhnt sich sogar mit seinem Sohn – und das auf eine schöne Art, um die Geschichte in Gänze abzuschließen.

Zusammengefasst hat mich der Verlauf der Geschichte überrascht – positiv und mit Gefühl. Zeichnerisch wie aus Band 1 gewohnt, detailreich und schön bunt koloriert – feel good vorprogrammiert.

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Momentan befinde ich mich in der Prokrastinationshölle schlecht hin und nachdem ich Avengers und Deadpool geschaut habe, war ein wenig High-Fantasy doch mal eine willkommene Ablenkung. Der erste Band der Chroniken von Yria hat mich durch das wunderschöne Cover in den Bann gezogen und so war ich vom ersten Augenblick daran interessiert, in welche Welt mich diese neue Comicreihe, aus der Feder von Claudya Schmidt, hineinziehen wird.

Synopsis

Zunächst erzählt der Prolog von einem Volk, die die Kinder der Ylducian sind. Durch viele unglückliche Umstände erheben sie sich gegen ihre eigenen Ahnen und stehlen den Ylducian, übrigens eine Art von Drachen, deren Lebenslicht.
Seitdem ist die Welt nicht mehr so, wie sie war. Und in dieser leicht dystopischen Welt beginnt die Geschichte mit einer Reise. Die Protagonistin Myre – eine anthropomorphe Fuchslady – durchstreift die Lande von Yria. Sie selbst scheint nicht so genau zu wissen, wohin ihre Reise geht und wie sie angefangen hat. Nachdem sie fast in eine tödliche Falle getappt ist, gerade so in die nächste Stadt fliehen konnte und in einer Taverne landet, trifft sie den alten Boozer, der sich um sie kümmert. Nach einer durchzechten Nacht ist Boozer plötzlich verschwunden und hinterlässt eine Schatulle mit der Bitte, dass Myre sie in die Stadt Ehraan liefern soll. So beginnt ihre eigentliche Reise.
Ach, und noch so nebenbei: Ihr Weggefährte ist ein weißer, windiger Drache, der ihr nicht von der Seite weicht.

Einige Worte zu der Protagonistin

Myre ist ganz mein Typ: durch die äußerlichen Merkmale eines Fuchses wirkt sie nicht nur frech, sie ist es auch. Sie ist sich nicht zu schade, sich mit Größeren und Stärkeren anzulegen und ist schnell genervt, wenn sie mal kein Benzin für ihre Zigarette hat. Doch so frech und rau der Charakter daherkommt, so wird schon in den ersten Seiten spürbar, dass Myre einem inneren Konflikt ausgesetzt ist. Ein wenig hoffnungs- und orientierungslos schreitet sie alleine auf ihrem Drachen Varug durch die Wüste, ohne sich auf jemanden verlassen zu können. So wird Myre noch interessanter für den Leser, der sie bei ihrer Geschichte begleiten wird.

Show, don’t tell!

Was den Comic in erster Linie ausmacht, sind die gewaltigen, absolut fantastischen Panels. Der Zeichenstil schreit nach High-Fantasy und überzeugt mit idyllischen Bildern und feinster Graphikqualität, die den Leser in den Bann ziehen. Weiter punktet der Comic mit seinen Charakteren und weiblichen Protagonistin, die kein Mensch ist, sondern ein Tier. Die Welt lädt ein, noch mehr wissen und sehen zu wollen. Zumal der Comic mehr auf die Bildsprache stützt, als auf Sprechblasen und dergleichen, denn davon gibt es weniger, als man es gewohnt ist.

Für den ersten Band…

Dennoch liegt genau hier der Knackpunkt. Zwar ist es möglich, ohne viel Schrift auszukommen, doch der Band fühlt sich vielmehr wie ein langer Prolog an. Wenig wird über die Welt und alles andere preisgegeben und die eigentliche Geschichte um Myre fängt erst sehr spät an.

All in all

Der Comic bietet einen Auftakt, der auf jeden Fall sehr interessant wirkt. Myre und ihr Drachengefährte ziehen den Leser sofort in den Bann. Der Wunsch nach mehr Infos und weiteren Storyverlauf ist in meinem Fall geweckt und ich kann es kaum erwarten, den nächsten Band in den Händen zu halten. Dafür, dass dies ein Erstlingswerk ist, zieh ich meinen Hut!

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Sangre – Ein Mädchen auf Rachemission

Sangre, die man im ersten Band als kleines Mädchen kennen lernte, ist zu einer jungen und hübschen Dame herangewachsen. Angetrieben von Zorn und Wut, ist sie auf der Suche nach den Mördern ihrer Familie. Diese wurde zu Beginn von Band 1 von einer Bande grausamer Piraten ausgeraubt und ermordet. Dies musste Sangre mit eigenen Augen mit ansehen, ohne die Möglichkeit diese grausame Tat zu vereiteln. Daraufhin schwor sich Sangre Rache an allen zu nehmen, die am Mord ihrer Eltern beteiligt waren.
Mit diesem klaren Ziel vor Augen, schlug sich das kleine Waisenkind mehr schlecht als recht durch, entdeckte aber bald, dass sie ein besonderes Talent in sich barg. Sangre kann die Zeit anhalten, was ihr natürlich große Vorteile für ihre Mission bringt. Doch das Talent hat auch ihren Preis: Sangre erblindet immer für eine gewisse Zeit, nachdem sie ihr Talent verwendet hat.

Sah man Sangre im ersten Band noch als kleines, trotziges Mädchen, wird im zweiten Teil eine selbstbewusste, hübsche junge Dame gezeigt, zu der sie sich entwickelt hat. In der Zeit, die zwischen den Bänden vergangen ist, hat sie ihre Kampffertigkeiten und ihr magisches Talent weiter geschult. Somit ist sie perfekt für das Treffen mit dem ersten Rivalen gerüstet.

Fessollgio – Pirat, Maler und Frauenschwarm

Nummer Eins auf Sangres Liste ist der Maler Fessollgio. Berühmt ist er in der Stadt Nivesk für seine Gemälde. Künstler werden hier jedoch nicht wie bei uns verehrt, sondern eher wie Ritter und Kämpfer, denn sie sorgen dafür, dass die täglichen Angriffe von bösen Schattenwesen abgewehrt werden. Diese lassen sich nicht mit Waffengewalt erledigen, sondern können nur mit schöner Kunst vertrieben werden. Fessollgio, unterstützt die Bewohner also nicht nur durch seine Kunstwerke, sondern sorgt auch für die Sicherheit von Nivesk. Kein Wunder also, dass er von den reichsten Männern der Stadt unterstützt wird. Ihm stehen alle Türen offen. Auch zu den Schlafzimmern aller Frauen von Nivesk. Denn Fessollgio ist nicht nur erfolgreich, sondern auch ein echter Frauenschwarm. Da ihm auch verheiratete Frauen oder Töchter einflussreicher Familien zu Füßen liegen, war es nur eine Frage der Zeit, bis sich Fessollgio Ärger einhandeln würde. So kommt es wie es kommen musste.

Als Sangre eher durch Zufall auf Fessollgio stößt, ist dieser nur noch ein Schatten seiner selbst. Er hat seinen guten Ruf verloren und hängt als armer Säufer in den Kneipen der Stadt herum. An diesem Punkt merkt Sangre, dass sie Fessollgio nichts mehr nehmen kann. Er hat nichts zu verlieren. Um ihre Rache aber voll auskosten zu können, hilft Sangre ihrer neuen Bekanntschaft wieder auf die Beine zu kommen, um ihm auf seinem neuen Höhepunkt alles zu nehmen. So wie er, als er damals seinen Dolch in das Herz ihres Vaters stach.

Tarask – Eine Stadt, in der die Krieger Künstler sind

Arleston und Floch haben es im zweiten Band von Sangre wieder geschafft, mich völlig in ihre Welt hineinzuziehen. Ich fand die Idee, dass Monster nur durch Kunst abgewehrt werden können, sehr erfrischend und kreativ. Somit ist der Comic fernab vom Fantasy-Allerlei.
Auch dieses Mal darf man sich nicht vom bunten Comicstil abschrecken lassen, denn obwohl die Welt Tarask und die Stadt Nivesk voller Schönheit und Kunst erstrahlen, gibt es viele dunkle Seiten, was Sangre ganz klar zu einem Comic für Erwachsene macht. Hinzu kommt eine große Prise Erotik. Schon auf den ersten Seiten ist recht viel nackte Haut zu sehen. Quasi die Comic-Version einer HBO-Serie.

Gefallen hat mir, neben der spannend erzählten Geschichte, auch der Zeichenstil, den man schon aus der Itaq-Reihe kennt. Etwas überzeichnete aber dennoch realistische Charaktere, die mich manchmal ein wenig an Mangas erinnerten und eine gelungen kontrastreiche Farbwahl, die wieder die Gegensätze von Tarask wiederspiegeln.

Abschließend lässt sich sagen, dass Sangre Bd. 2 eine gelungene Fortsetzung geworden ist, die es abermals schafft eine fantastische, bisher ungesehene Welt zu erschaffen und zusätzlich mit einer Prise Erotik die zuvor in Bd. 1 begonnene Geschichte weiter zu verfeinern.

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#1 Wer bist du und was machst du genau?

Mein Name ist Max, und ich bin beim Splitter Verlag für Presse und Marketing zuständig. Das heißt, ich mache eigentlich alles, was nicht mit Redaktion und Lizenzen zu tun hat. Ich kümmere mich um unsere Pressekommunikation (Pressemitteilungen, Kontakt zu JournalistInnen, Presseschau), unsere Social Media-Kanäle (FB, Twitter, Instagram und das Comicforum), und entwerfe Marketingmaßnahmen und Werbemittel für das Programm. Hin und wieder bin ich auch im Außendienst und besuche Geschäftspartner wie Buch- und Comicläden. Das meiste davon mache ich aber nicht allein.

#2 Was ist am Splitter Verlag besonders?

Unser Credo ist es, immer für die Fans und Kunden zu arbeiten. Jeder Splitterianer ist selbst riesiger Comic-Nerd (auch wenn wir teilweise sehr unterschiedliche Geschmäcker haben), und unsere Firmenphilosophie richtet sich danach, was wir als Liebhaber von einem guten Comicverlag erwarten. Unser Programm ist extrem vielseitig, sodass für jeden was dabei ist, und unsere Comics haben mit den höchsten Qualitätsstandard hierzulande, was die Verarbeitung angeht, und das zu einem fairen Preis.

Wir brechen NIE eine Comicreihe ab, wenn es sich irgendwie verhindern lässt, und wir drucken jeden vergriffenen Comic nach. Außerdem sind wir der einzige Comicverlag in Bielefeld und somit quasi auf einer anderen dimensionalen Existenzebene.

#3 Was ist dein Lieblingscomic und warum?

Der Comic, der mich dazu gebracht hat, in dieser Branche arbeiten zu wollen, war „Fun Home“ von Alison Bechdel. Den habe ich in der Uni in einem Seminar gelesen. Je mehr ich mich damit beschäftigt habe, wie genial Bechdel Bild und Text und kulturelle Referenzen zusammengefügt hat, desto begeisterter war ich von den Möglichkeiten dieses Mediums. Außerdem absolute Must Reads: „Watchmen“ von Alan Moore (duh), „Held“ von Flix und alles von Nicolas Mahler und Katz & Goldt. Auch wenn es keine Comics sind haben die älteren DC-Animationsserien („Batman“, „Justice League“, „Teen Titans“, „Young Justice“) einen besonderen Platz in meinem Herzen.

#4 Was macht dir am meisten Spaß an deinem Job? Was war dein lustigstes Erlebnis?

Lustig ist es bei uns eigentlich immer, denn wenn die halbe Belegschaft den ganzen Tag Comics liest (das nennt sich dann Lektorat), gibt’s immer was zu lachen. Wir kriegen auch viele Comics zugesandt, die wir nie übersetzen und verlegen, und die Sachen, die in Frankreich und Belgien erscheinen, sind teilweise schon merkwürdig (Stichwort Emo-Esel vs. Weltschmerz). Spaß habe ich persönlich am meisten beim Lesen und Texten. Ich teile meine Begeisterung für bestimmte Comics und Themen gerne, und das in Worte zu fassen, bereitet viel Freude. Das kommt euch bestimmt bekannt vor 😉

#5 Aus welchen Ländern stammen die meisten Comics aus eurem Sortiment?

Die meisten unserer Comics stammen aus Frankreich. Wir arbeiten mit jedem großen Comicverlagshaus dort zusammen und sind eigentlich in ständigem Austausch über kommende Titel. Frankreich hat eine deutlich (!) stärker ausgeprägte Comic-Kultur als Deutschland (fast jedes dritte Buch, das in FRA verkauft wird, ist ein Comic). In Deutschland erreicht uns davon nur ein Bruchteil, und wir versuchen, da am Ball zu bleiben. Tatsächlich haben wir aktuell das größte frankobelgische Comicsortiment hierzulande. In den USA gibt es auch viele spannende Verlage und Autoren, aber diese Lizenzen sind oft auch härter umkämpft, sodass wir da wählerischer sein müssen. Deutsche Comicprojekte unterstützen wir immer gern, allerdings liegt unser Fokus auch hier klar auf Fantasy und Sci-Fi.

#6 Gibt es bei Comics bestimmte Themen oder Geschichten, die immer funktionieren?

Natürlich 🙂 Bestimmte Autoren und Zeichner ziehen immer, z.B. die Sci-Fi-Comics von Leo, Western von Yves Swolfs oder Patrick Prugne und die Funnies von Peyo. Manche Serien sind auch ein Garant für zufriedene Leser, so z.B. „Die alten Knacker“, „Elfen“, „Undertaker“ und unsere aufwendigen Gesamtausgaben alter Klassiker.
Momentan läuft alles, was Steampunk ist, besonders gut, allen voran natürlich „Lady Mechanika“, aber auch ähnliche Comics wie „Die drei Geister von Tesla“ und die „H. G. Wells“-Reihe. Aber oft sind wir selbst überrascht (sowohl positiv wie auch negativ), denn der Comicmarkt ist sehr facettenreich und die LeserInnen auch.

#7 Wie wählt ihr eure Geschichten und Comics aus, die ihr verlegt? Wie trefft ihr die Entscheidung? Wie viele Anfragen erhaltet ihr im Monat?

Da wir primär mit ausländischen Lizenzen arbeiten, ist der Begriff „Anfrage“ vielleicht missverständlich. Einerseits beobachten wir das Programm der frankobelgischen und amerikanischen Verlage und suchen aktiv nach gutem Material. Andererseits schicken uns unsere Partner oft unangefragt neue Comics und Lizenzkataloge, die wir natürlich auch sichten. Und dann gibt es noch Autoren und Zeichner, die wir sozusagen „gebucht“ haben und bei denen wir jede Neuerscheinung zumindest erwägen, z. B. Christophe Arleston („Ythaq“, „Lanfeust“), Christophe Bec („Prometheus“, „Olympus Mons“) und Zidrou („Die Adoption“, „Percy Pickwick“).

Mehr oder weniger ausgearbeitete Manuskripte und Projektvorschläge aus Deutschland erhalten wir etwa zwei die Woche. Allerdings bevorzugen wir es, KünstlerInnen persönlich kennenzulernen, z.B. auf der MCC in Leipzig oder beim Comic Salon Erlangen. Und ein Projekt, das realistische Chancen hat, ins Programm aufgenommen zu werden, muss schon recht weit ausgearbeitet sein (komplettes Storyboard, Konzeptzeichnungen und ein paar Seiten Reinzeichnung) und natürlich zum Restprogramm passen.

Achso: Wir wählen vor allem nach Thema und Zeichenstil aus 😉 Da entstehen dann oft lange Diskussionen im Büro, da jeder andere Vorlieben hat. Andere Faktoren wie aktuelle Filme („The Death of Stalin“), Politik („Trump!“) oder ähnliches spielen manchmal auch eine Rolle.

#8 Was denkst du über das Thema „intellektueller Anspruch“ von Comics?

Das ist jetzt meine persönliche Meinung: Dass Comics Kinderkram sind, diese Annahme haben wir, glaube (und hoffe) ich,  inzwischen hinter uns gelassen. Comics sind ein Medium, dass grundsätzlich jeden Inhalt vermitteln kann, wie Bücher/Filme/Schauspiel auch. Comiclesen muss erlernt werden, und anspruchsvolle Comics müssen LeserInnen sich erarbeiten. Legt mal jemandem, der noch nie mit dem Thema in Berührung gekommen ist, einen Comic von Chris Ware vor und fragt, ob der sich gut lesen lässt. Klar, es gibt auch easy reading, und auch Splitter hat davon einiges im Programm. Aber auch das ist in jedem anderen Medium genauso.

Es muss nicht alles im Feuilleton besprochen werden, aber so, wie man den Leuten gönnt, „Twilight“ zu lesen, „Fack ju Göhte“ zu gucken und sich Mario Barth anzusehen, sollten unterhaltsame Comics auch ein akzeptierter Teil der Unterhaltungskultur sein dürfen.

#9 Triffst du regelmäßig Autoren und Zeichner? Wenn ja, wo und weshalb genau?

Regelmäßig ja, aber nicht häufig. Wir sind jedes Jahr mit einem großen Stand auf der MCC Leipzig vertreten und laden immer einige KünstlerInnen ein, die Signierstunden geben. Und auch alle zwei Jahre beim Comic Salon in Erlangen bringen wir KünstlerInnen mit. Hin und wieder verirrt sich auch jemand in unser Büro in Bielefeld, aber das kommt eher selten vor, da die meiste Kommunikation per E-Mail läuft.

#10 Hast du schon einmal selbst einen Comic gezeichnet oder warst als Autor tätig?

Nein. Ich bin eher Fanboy 😉 Und ich habe meine Masterarbeit über Comics geschrieben, aber das ist deutlich weniger spannend.

#11 Was war/ist der meist verkaufte Comic aus eurem Sortiment? Wie viele Comics habt ihr aktuell im Lager und wie groß ist das?

Das ist schwer zu sagen. Der meistverkaufte Einzelcomic dürfte „Die alten Knacker“ Band 1 sein, wobei manche Evergreens wie „Alice im Wunderland“ auch sehr oft verkauft wurden. Und ältere Comics wie „Die Schiffbrüchigen von Ythaq“ Band 1 haben auch hohe Verkaufszahlen, u. a., weil vor 10 Jahren die Auswahl für Kunden noch nicht so groß war. Die Comicserie mit den meisten verkauften Exemplaren ist wohl mit Abstand „Storm“ gefolgt von „Thorgal“, davon gibt es aber auch schon 30 bzw. 35 Bände.

Aktuell haben wir ca. 1.500 lieferbare Einzeltitel. Unser Lager ist bei unserer Auslieferung PPM, die für uns den Versand besorgen. Schätzungsweise liegen dort 2 Millionen Comics von Splitter, Tendenz steigend.

#12 Was ist der Unterschied zu deutschen und ausländischen Comics?

Pauschal gesprochen keiner, denn die deutschen KünstlerInnen stehen ihren ausländischen KollegInnen in nichts nach, weder zeichnerisch noch von den Stories her. Tendenziell erscheinen in Deutschland nur wenige Genrecomics, denn Graphic Novels werden hier besser verkauft, während Frankreich und die USA davon überquellen. Und die Art der Präsentation der Themen ist auch etwas anders (meiner Meinung nach): In den USA sind Comics oft kühler und „härter“, ähnlich wie die amerikanischen Fernsehserien, während französische Comics oft freizügiger und humorbetonter sind (Faustregel: kein frankobelgischer Comic ohne mindestens eine Nacktszene).

#13 Über welches Thema/welche Themen sollte man deiner Meinung nach einen Comic verfassen und warum?

Ich glaube, inzwischen wurde über fast jedes erdenkliche Thema irgendwo irgendwann ein Comic gemacht. Manche sind vielleicht nicht besonders gut oder vollkommen unbekannt, aber Comics sind weit genug im Mainstream angekommen, dass man quasi alles finden kann. Ich persönlich würde mir in Deutschland mehr gut gemachte (!) Bildungscomics für Kinder und Jugendliche wünschen, v. a. für ökologische und politische Themen. Ich glaube, damit könnte man viele erreichen, die sich mit solchen Themen sonst nicht befassen würden.

#14 Hast du einen Tipp, welchen Comic man unbedingt gelesen haben muss?

Siehe oben. Aber wenn ich die Liste noch erweitern darf: „The Dark Knight“ von Frank Miller (nochmal: duh), „Lazarus“ von Greg Rucka, „Understanding Comics“ von Scott McCloud, „Magdas Apokalypse“ von Chloé Vollmer-Lo und mein persönlicher Geheimtipp aus unserem Programm: „Urban“ von Brunschwig und Ricci. Ansonsten wähle ich meistens nach KünstlerInnen aus, die ich besonders mag: Eduardo Risso, Rick Remender, Lee Bermejo, David Mazzucchelli, Brian Azzarello und Nicola Scott. Das reicht jetzt aber auch.

#15 Zum Schluss: Erzähle uns doch deinen Lieblingswitz!

Ich beziehe meine Qualitätswitze immer durch meinen Vater. Sowas:

• Egal wie dicht du bist: Goethe war Dichter.
• Egal, wie schnell du dir Skier anschnallst: Ed hat schon Sheeran.
• Oder: „ Herr Yoda, möchten Sie ein Statement zum schiefen Turm von Pisa abgeben?“ „Gerade nicht.“ „Trotzdem, vielen Dank.“

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Black Hammer – Das Setting

Am „einfachsten“ lässt sich Black Hammer als Science-Fiction-Horror-Superhelden-Indie-Drama beschreiben. Aber was muss eine Geschichte bieten, um einer solchen Beschreibung würdig zu sein? Sie braucht ganz besondere Charaktere. Diese leben im Comic Black Hammer zusammen auf einem kleinen, abgeschiedenen Bauernhof. Alles erinnert beim Lesen ein wenig an die Farm in Smallville aus dem Superman-Universum. Bewirtschaftet wird der Hof vom in die Jahre gekommenen Abraham Slam. Dieser fühlt sich pudelwohl. Er genießt die Ruhe, bandelt mit der Ex-Frau des Sheriffs an und erfreut sich an der Natur. Es klingt alles perfekt, wäre da nicht seine verrückte „Familie“.

Helden-Sammelsurium

Abraham Slam lebt auf dem Hof zusammen mit Gail, genauer Golden Gail. Einer 40-Jährigen, die fliegen kann und im Körper eines kleinen Mädchens steckt. Hinzu kommen Barbalien, ein Formwandler und Krieger vom Mars, Madame Dragonfly, eine Hexe, die in ihrer Waldhütte gefangen ist und Colonel Weird, ein NASA-Forscher mit seinem Roboter namens Talky-Walky, die immer wieder zwischen einer Parallelwelt und dem Bauernhof hin und her switchen.

Familie Widerwillen

Wie die bunte Mischung aus Charakteren auf dem Hof gelandet sind, ist unklar. Sie versuchen nur nicht aufzufallen, bis sie herausgefunden haben, wie sie wieder in ihre eigene Welt oder Dimension zurückkommen. Bis auf Abraham wollen alle so schnell wie möglich wieder zurück. Zurück nach Spiral City. In die Stadt, die sie all die Jahre zuvor beschützt hatten. Dieser Konflikt macht den Protagonisten natürlich zu schaffen, denn Abraham fühlt sich wohl, während alle anderen unter der besonderen Situation leiden. Insbesondere das sich alle aufgrund ihres Aussehens auf der Farm verstecken müssen – nur eben Abraham nicht. Man fragt sich natürlich, weshalb die gealterten Helden nicht einfach von der Farm fliehen. Aber eben diese Frage bleibt offen und erzeugt Spannung beim Leser. Klar ist nur, dass niemand weiß, was sich hinter der Kleinstadt mit der Farm befindet. Alle Sonden, die Talky-Walky über die Grenze schickt, gehen auf sonderbare Weise verloren.

Origin-stories

Die Hintergrundgeschichten der einzelnen Protagonisten wird in Rückblenden erzählt. Da diese einen spannenden Teil des Comics ausmachen, möchte ich hier nicht zu viel verraten. Golden Gail hat beispielsweise ihre Superkräfte von einem alten „Magier“ erhalten. Immer wenn sie seinen Namen ruft, verwandelt sie sich in das kleine Mädchen, das fliegen kann. Weshalb sie auf dem Bauernhof ihre Kräfte nicht einsetzen kann, um sich wieder zurück zu verwandeln, bleibt spannend.
So hat jeder Charakter seinen eigene, interessante Geschichte und seine ganz privaten Probleme. Dennoch müssen sie wohl oder übel zusammenhalten und versuchen, wieder in ihre Welt und nach Spiral City zu kommen.

Black Hammer – Ein bunter Genre-Mix

Black Hammer lässt sich nicht wirklich in eine Schublade stecken. Je nachdem welcher Charakter gerade im Fokus der Geschichte steht, ändert sich der Look und das Genre des Comics. Wird die Geschichte von Lady Dragonfly erzählt, hat man das Gefühl einen frühen Grusel-Comic in der Hand zu halten. Der Hintergrund zu Colonel Weird hingegen ist eher an Science-Fiction-Serien angelehnt.

Was jedoch alle Teile des Comics gemeinsam haben, ist der Retro-Look. Vor allem in den Rückblenden der Hauptdarsteller wird dies deutlich. Alles wirkt wie ein amerikanischer Superhelden-Comic aus den 50ern. Das Raumschiff von Colonel Weird ist eine Rakete, wie sie auch Tim und Struppi benutzt haben, die außerirdischen Angreifer sind riesige Tentakelmonster oder die Helden müssen gegen verrückte Wissenschaftler in Riesenrobotern kämpfen.

All das führt dazu, dass man mit Black Hammer einen kunterbunten Einblick in die frühen Genres der Comic-Welt erhält.

Fazit

Black Hammer ist verrückt. Noch nie habe ich einen Comic gelesen, der nach jedem Band das Genre wechselt. Aber gerade das macht den Reiz an Black Hammer aus. Zum einen möchte man unbedingt mehr über die interessanten Charaktere erfahren und gleichzeitig fragt man sich, in welches Genre das nächste Kapitel wohl abdriftet. Hinzu kommt, dass die einzelnen Handlungsstränge in der Gegenwart auf der Farm zusammengehalten und zu einem spannenden Gesamtwerk verknüpft werden.

Nicht selten wurde ich angesichts der gealterten Helden an Watchmen erinnert. Wem dieser Comic gefallen hat, sollte unbedingt einen Blick in Black Hammer werfen.

Ach ja, Danke für diesen krassen Cliffhanger am Ende…. jetzt fieber ich wieder 2 Monate dem erscheinen von Band 2 entgegen.

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Schmales Werk – Gigantischer Autor

In der Horror-Comic Szene ist Bernie Wrightson eine Ikone. Der am 27. Oktober 1948 geborene Illustrator schuf zahlreiche Arbeiten für die verschiedensten Anlässe. Neben Comics zeichnete er auch Cover-Arts für Magazine oder schuf die passenden Bilder zu einem Roman von Stephen King. Am bekanntesten ist jedoch sicherlich die Comicreihe «Swamp Thing», eine Figur, die er in Zusammenarbeit mit Len Wein 1971 entwarf. Für die Magazine «Creepy» und «Eerie» erarbeitete er zahlreiche Adaptionen der klassischen Horrorliteratur (um die es hier auch weiterhin gehen wird). Am 18. März 2017 verstarb Bernie Wrightson nach langen gesundheitlichen Problemen. Erst kurz davor hatte er seine Karriere beendet.

Düster & Detailreich – Sein Stil

Es ist unschwer einen Wrightson zu erkennen, wenn man einen vor sich hat: Meist schwarz-weiß, unglaublich detailliert und voller Atmosphäre. Sehr (sehr) viele Schraffuren schaffen zusammen mit silhouettenhaft ausgeblockten, schwarzen Flächen wunderbar düstere Kontraste und die passende Stimmung – jedes Panel aufs Neue. Auch die Arbeiten, die ohne oder mit nur wenigen Kreuzschraffuren auskommen, sind trotz ihres „weichen“ Aussehens definitiv keine Softies. Wrightson wählte für seine Charaktere immer den richtigen grotesken Gesichtsausdruck zum richtigen Zeitpunkt. So harmonieren sie sehr gut mit seinen Darstellungen der „Freaks“ und Monster in seinen Geschichten.

Dabei immer wiederkehrend: „Onkel Creepy“, ein alter, ausgemergelter Mann, der mit seinem Grinsen ähnlich wie der Cryptkeeper aus der Serie „Tales from the Crypt“ (1989) durch die einzelnen Geschichten im Magazin führte. Zusammen mit „Cousin Eerie“ sind diese Charaktere angelehnt an ähnliche Erzähler-Figuren aus den Horrormagazinen der 50er wie zum Beispiel „The Vault of Horror“ oder „Haunt of Fear“. Man fühlt sich beim Lesen in die Zeit der klassischen Grusel- und Horrorfilme der 70er und 80er Jahre versetzt, als Dario Agento „Suspiria“ drehte und Christopher Lee den Dracula verkörperte.

Neu aufgelegt – Der Sammelband vom Splitter Verlag

2014 erschien im Splitter Verlag die Gesamtausgabe von Wrightsons Werken, nachdem zunächst Dark Horse Comics die englische Version veröffentlichte. Auf über 140 Seiten kann der Leser in das gesamte künstlerische Spektrum eintauchen. Das Buch enthält 12 Kurzgeschichten und eine Sammlung verschiedener Cover-Arts und Illustrationen aus den Magazinen „Creepy“ und „Eerie“. Mit dabei sind unter anderem die Comic-Version von Edgar Allan Poes Kurzgeschichte „The Black Cat“ oder H.P. Lovecrafts „Cool Air“. Die verschiedenen Geschichten zeigen auch schön die verschiedenen Aspekte des Horrorgenres auf: Es müssen nicht immer die klassischen Monster sein. Auch unter den Menschen sind manchmal grausame Gestalten zu finden.

Die Cover-Arts sind eine klasse Ergänzung zu den Stories. Anders als diese sind sie farbig gedruckt. Meistens sind die wiederkehrenden Charaktere „Onkel Creepy“ und „Cousin Eerie“ zu sehen, aber jede Illustration ist für sich ein kleines Kunstwerk. Erwähnenswert ist auch das Format und die Druckqualität des Buches. Mit 32cm Höhe und 23cm Breite entsprechen die Maße dem Original-Magazin aus den 70er Jahren. Die Seiten sind etwas matter, was das Lesen sehr angenehm macht. Und das schwarz… ist TIEFSCHWARZ. Was will man mehr?

Mehr geht immer – mein Fazit

Ich habe die 70er und 80er Jahre nicht miterlebt, bin aber großer Fan von Comics, Filmen und Musik aus dieser Zeit. Die Stories aus diesem Sammelband sind hier definitiv keine Ausnahme. Das Einzige was ich mir gewünscht hätte: Mehr! Ich kann mir gut vorstellen, dass auch eine Story aus „Swamp Thing“ sehr gut zum Buch gepasst hätte. Da wir aber hier einen Sammelband der Magazine vor uns haben, kann ich das verschmerzen. Ich halte es für schwierig, diesen Comic blind jedem zu empfehlen. Wer sich jedoch gerne ein wenig gruselt, die klassische „Schauerliteratur“ mag oder mal ein wenig in der Zeit des Horror-Genres zurückreisen möchte, dem lege ich dieses Buch mit klammen Skelettfingern wärmstens ans Herz.

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